“Beş yaşındaki kızım da aynı şekilde çizecek”: sanatı anlamaya nasıl başlanır ve bunun için bilmeniz gerekenler
Miscellanea / / November 24, 2023
Ressamlar hakkında ilginç gerçekler ve resimlerle nasıl düzgün şekilde tanışılacağına dair ipuçları.
Sanatçıların veya heykeltıraşların eserlerini her zaman öznel olarak ele alıyoruz çünkü yaratıcılıkta katı standartlar yok. Sanat eleştirmeni Nikita Monich, Science Pulverizer podcast'inin dinleyicilerine sanatı anlamayı nasıl öğrenebileceklerini ve yaratıcıların hayatı ve çalışmaları hakkındaki stereotiplere inanıp inanamayacağınızı anlattı.
Nikita Monich
Sanat eleştirmeni, “Kültür Hakkında” YouTube kanalını yönetiyor, dersler veriyor ve Madrid'de geziler düzenliyor.
Bir sanatçının gerçekten aç olması gerekir mi?
Karışık mevzu. Bu stereotiple çok sık karşılaşıyoruz. Ama "sanatçı" kelimesini başka bir mesleğin adıyla değiştirelim. Bir matematikçinin, bir tamircinin, bir bakanın veya bir başkanın yoksulluk içinde yaşaması gerektiği doğru mu? Her birimiz kendi işimizi düşünürsek, büyük ihtimalle şu sonuca varırız: "Ben kesinlikle aç kalmamak için çalışıyorum." Sanatçılar da eserlerine aynı şekilde davranırlar.
Ayrıca “profesyonel sanatçının” ne anlama geldiğini de açıklığa kavuşturmakta fayda var.
Hobi ile meslek arasındaki fark nedir? Hobilerimize para harcıyoruz ama mesleğe göre para kazanıyoruz. Buna göre profesyonel sanatçı, bir veya iki diplomaya sahip olan değil, testçi olarak çalışan veya pizza dağıtan kişidir. Profesyonel bir sanatçı, yaratıcılığıyla para kazanan kişidir.
Nikita Monich
Ancak bir ressamın eseri ancak ölümünden sonra değerli bir değerlendirme alır. Kötü hayatlar yaşayan ve anlaşılmadan ölen birçok yaratıcı var. Ve resimlerinin talep gördüğünü görecek zamanları yoktu. Bu nedenle sanat tarihçileri şunu düşünüyor: Ressamın eserleri çok değerli hale gelmişse, o zaman sanata önemli katkılarda bulunan bir profesyonel olarak kabul edilebilir.
Bir sanatçının elbette aç olması gerekmez ama bazen yoksulluk içinde yaşamak zorunda kalır. Öyle oluyor ki, onun dünya görüşü, eserleriyle aktarmaya çalıştığı mesajlar, tabloları satın alan kişilerde yankı bulmuyor. Bu genellikle yenilikçilerin başına gelir. Veya yaratıcı yaşamlarının yalnızca kısa bir döneminde tanınanlarla. O zaman bu ustalar gerçekten aç kalırlar.
Ama neyse ki çoğunu tanıyoruz sanatçılarbunlar başarılıydı. Çağdaşlarının neye ihtiyacı olduğunu çok iyi anladılar. Ayrıca geleneksel yaklaşımlara yeni bir vizyon da katabilirler. Ancak toplumun yenilikçi kararlarını kabul edebilmesi için bunu dozlar halinde yaptılar.
Böyle bir tanınma Raphael, Rubens ve daha sonra Marc Chagall, Salvador Dali ve Pablo Picasso tarafından sağlandı.
Ancak başka örnekler de var; mesela Klimt ve Schiele. İlkinin parlak bir kariyeri vardı ve Viyana'nın en başarılı sanatçısıydı. İkincisi onun öğrencisi. Mutsuz, kısa bir hayat yaşadı ve ancak en sonunda tanındı.
Bu nedenle, sanatçının sloganı l'art pour l'art - "sanat sanat içindir" cümlesine dönüşür. Ve paranın olması gerekiyor para kazanmak aksi takdirde. Mesela ünlü da Vinci'nin yaptığı da buydu.
Leonardo da Vinci, yemek yemek, kariyer yapmak ve prensip olarak toplumun değerli bir üyesi olmak istediğinde, Milano Dükü'nün hizmetine başvurdu. Ve şöyle dedi: Sevgili Dük, harika surların nasıl inşa edileceğini biliyorum, genel olarak şehirciyim.
Nikita Monich
Sanatçı efsanelerini gerçeklerden ayırabilir miyiz?
Leonardo'dan bahsetmeye devam edelim ve Mona Lisa'sına bakalım. Bu ünlü tablonun etrafında birçok efsane var. Örneğin sanatçının, modelin çizimini yaparken sıkılmaması için müzisyen kiraladığına inanılıyor. Ve Gioconda'nın ünlü gülümsemesi tam da bu müzik sayesinde ortaya çıktı. Ve genel olarak sanatçı 12 yıl boyunca sadece kızın dudaklarını boyadı.
Burada gerçekleri spekülasyonlardan ayırmak zor. Aslında nasıl çalıştığı hakkında neredeyse hiçbir şey bilmiyoruz da Vinci ve onun çağdaşları. Evet, örneğin Leonardo'nun günlüklerini inceleyebiliriz. Ancak notlarından anlam çıkarmak kolay bir iş değil.
Binlerce sayfada alışveriş listeleri, resmin doğası üzerine düşünceler ve pervanenin nasıl yapılacağına dair fikirler yer alıyor. Balık buraya sarılmıştı, işte el, işte bacak çekilmişti. Kısacası Da Vinci hakkında kendi ifadesinden pek bir şey bilmiyoruz.
Nikita Monich
Leonardo ve çağdaşlarının biyografilerine sanatçı ve sanat eleştirmeni Vasari'nin kayıtlarından aşinayız. Ancak kanonik hale gelen bu eserlere gerçeklerin ne kadar doğru yansıdığını bilmiyoruz.
Mesela Vasari Mona Lisa'nın kaşlarını anlatıyor. Ama tuvalde kaş yok. Üstelik sadece son versiyonda yoklar. Dış katmanın altında, resmi röntgen kullanarak incelerseniz kaşlar da görünmez. Vasari'nin ya bu resmi görmediği ve ona "Rabinovich'in şarkı söylediği" ya da gördüğü, ancak hafızasından yazdığı ve yanıldığı ortaya çıktı.
Ama emin olduğumuz gerçekler de var. Leonardo, La Gioconda'yı çok uzun süre yazdı ve onu özel duygularla ele aldı. 1467 yılında emri aldıktan sonra çalışmaya başladı. Daha sonra tabloyu müşteriye hiç vermedi ve uzun süre yanında götürdü. 40 yıl sonra Leonardo işine geri döndü. Belki sadece birkaç vuruş eklemiştir; röntgenlerin yardımıyla bile her vuruşun hangi yılda uygulandığını tam olarak söyleyemeyiz. Ancak sanatçının tabloyu çalışmaya başladıktan yıllar sonra tamamladığını biliyoruz.
"Mona Lisa", I. Francis yönetimindeki Fransa'nın kraliyet resim koleksiyonunda yer aldı. Da Vinci'nin ölümünden sonra satın aldı. Ancak tamamen farklı kişiler tarafından sipariş edildi ve müşteriye gelmedi çünkü tüm son teslim tarihleri utanmadan kaçırıldı.
Nikita Monich
Sanatçılar portrelerinde aslında kimi çiziyor?
Görünüşe göre cevap açık: Onlara model teşkil edenler. Ancak Mona Lisa hakkında konuşursak, Leonardo'nun gerçekte kimi canlandırmak istediğine dair pek çok spekülasyon duyabilirsiniz. Bazıları buna kendisi de inanıyor. Hatta İsa'yı bile.
Aslında resme kimin modellik yaptığı çok da önemli değil. Çoğu zaman bir portre sadece bir görüntüdür. Diyelim ki tuvaldeki kişi poz veren kişiye çok benziyor. Ancak her tablo aynı zamanda sanatçının kendi portresidir. Ama her zaman görünüşünü boyadığı için değil.
Burada önemli olan biçim değil içeriktir. Yani sanatçının her eserine yüklediği mesaj, anlam. Ve bu mesaj tamamen yaratıcıya bağlıdır.
Kadınların klasik sanatta oynadığı rol neydi?
Genellikle yaratıcılar için ilham kaynağı oldular. Ancak nadiren kendileri klasik bir eğitim alıp sanatçı olabildiler.
Sınırlamanın nedenlerinden biri de bu. Herhangi bir resim veya heykel duyusal bir nesnedir. Yaratıcılık her zaman cinsellikle ilişkilendirilmiştir. Bu büyük ölçüde süblimasyondur, yani duyusal enerjinin başka bir yaratıcı yöne yönlendirilmesidir. Ve bunu biliyoruz sanatçılarKlasik sanatı yaratanlar genellikle çıplak kadın figürleri çizdiler. Bu amaçla onlara modeller poz verdi.
Ancak geçmiş yüzyıllarda bir kızın çıplak bir adam çizdiğini düşünmek bile imkansızdı. Onunla aynı odada bile olamazdı.
Ancak bu, kadınların sanatı hiçbir şekilde etkilemediği anlamına gelmiyor. Tam tersine, onlar olmasaydı yüksek bir seviyeye ulaşması pek mümkün olmazdı.
Yakın zamanda Prado Müzesi'nde yapılan proje El Prado en femenino. Yaratıcıları, kadının sipariş ettiği, satın aldığı veya koleksiyonuna dahil ettiği tüm tabloların müzenin duvarlarından kaybolduğu bir video hazırladı. Sonuç olarak, videodaki ana şaheserlerin neredeyse tamamı müze salonlarından kayboldu.
Çünkü erkekler çalılıklarda birbirlerini kızdırırken, kadınlar çok daha önemli bir görevi yerine getiriyor: düzen kurmak. yaşam alanları, çocuk yetiştirme ve genel olarak rejimin, kraliyet sarayının vb. yüzünden sorumludurlar Daha öte.
Nikita Monich
Bir uzman değil de sıradan bir insan çağdaş sanatı anlayabilir mi?
Herhangi bir resim, heykel, dekoratif ve uygulamalı sanat eseri, melodi bir mesajdır. Ve bir dilde yayınlanıyor. Bu, bu mesajı deşifre etmek için iletildiği dili bilmeniz gerektiği anlamına gelir.
Bir kişi bir resimde bazı insanları veya nesneleri gördüğünde, çoğu zaman ona her şeyin net olduğu anlaşılıyor. İzleyici şöyle düşünebilir: Bu gerçekçi bir şekilde çizilmiş güzel bir kadın - bunda belirsiz olan ne? Ancak alegorileri görmüyor, resimde hangi hikayenin şifrelendiğini bilmiyor, onunla ilişkili edebi alıntıları tanımıyor. Azizleri görse onların neyle meşhur olduklarını, hangi sıfatlarının yanına çizildiğini, bu sıfatlara neden ihtiyaç duyulduğunu bilemeyebilir. Ve sonunda sanatçının vermek istediği mesajı anlamıyor.
Ancak kişi şu sonuca varıyor: “Bunu anlıyorum çünkü burada insanlar var. Ama burada sadece noktalar var, beş yaşındaki kızım da aynı şekilde çizecek; anlamıyorum.”
Birisi beş yaşındaki çocuğunun bunu yapabileceğini söylediğinde bu her zaman doğru değildir. Sanat bir nesne değildir. Sanat, izleyici ile nesne arasında doğan ya da olmayan bir ilişkidir. Ve eğer doğarsa kişi şöyle der: "Ah, sanat!" Ve eğer doğmadıysa, 'Bu sanat değil' diyor.
Nikita Monich
Ancak bir ilişkinin ortaya çıkması için size tam olarak ne söylendiğini anlamalısınız. İfade bir yabancının dilinde geliyorsa dil - örneğin Vietnamca veya Macarca - hiçbir şey algılamayacaktır. Ve son derece önemli olsa ve hayatını değiştirebilecek olsa bile mesajı alamayacak.
Şu sonuca varıyoruz: Sanatı anlamak, sanatçının konuştuğu dili iyi bilmek demektir. Bu dili anlamazsanız sanatçıyı duymanız imkansız olacaktır.
Sanatı anlamayı nasıl öğrenebilirim?
Tam olarak neyi sevdiğinizi ve yankı uyandırdığını anlamaya değer. Bunu yapmak için farklı şeyler denemeniz gerekir. Tıpkı ürünlerde olduğu gibi: Birkaç meyve suyu türünü karşılaştırabilir ve ardından birayı hâlâ daha çok sevdiğinize karar verebilirsiniz. Ama önce her içeceği denemelisin.
Eğer tanışmaya başladıysanız sanat, iki kuralı unutmayın:
- Resme olan ilgi ikinci izlemeyle başlar. Tekrar bakmak istersen, içinde bir şey var demektir.
- Spoilerden korkmayın. Müzeye gitmeden önce okuyabilirsiniz. Ve orada saklanan 20-30 başyapıta bakın. Örneğin platformda bunları bulmak kolaydır Google Sanat ve Kültür.
İlk başta sadece resimlere bakın, sayfaları çevirin - ilk aşamada bu yeterli. Aynı zamanda dikkatinizi çeken tuvalleri yeni sekmelerde açın. Sonra bu çalışmalara tekrar bakın, onlar hakkında okuyun.
Daha sonra müzeye gittiğinizde doğrudan ilginizi çeken tablolara gidin. Yani zaten tanıdık tuvallere. Bu, en değerli kaynağınız olan dikkatinizi boşa harcamamanız için gereklidir.
Çok önemli bir nokta: Her şeyi izlemeye çalışmayın. "Dört saatim var, ileride Louvre'un 400 salonu var - şimdi çözeceğiz" - Tanrı korusun! 100 yıldan fazla bir süre önce “müze yorgunluğu” terimi icat edildi. Bu sadece sizi havaya uçuracak; sabit diskinizdeki boş alan tükenecek.
Nikita Monich
Bu nedenle yalnızca önceden planladığınız şeylere bakın. Ve sonra gördükleriniz arasından üç eseri seçmeye çalışın:
- En çok neyi beğendin?
- En çok neyi sevmedin?
- En tuhaf bulduğunuz şey.
Daha sonra akıllı telefonunuzu alın ve açın alarmböylece beş dakika içinde çalacak. Bunca zaman ekrana bakmamak çok önemli, bu yüzden zamanlayıcı değil, alarm saati olsun. Ve seçilen resimle beş dakika konuşun. Yüksek sesle, sadece sessizce konuştuğunuzdan emin olun - hala bir müzedesiniz. Tekrar etmeden, ortalama bir hızda konuşun. Alarm çalana kadar devam edin.
Zil çaldığında, bu resim hakkında çok sayıda yeni şey keşfedeceksiniz. Sanki bir stereotipin yarı saydam zarını aşacakmışsınız gibi. Bunu üç tabloyu bir nevi referans noktası olarak yaparak temelleri atacaksınız.
Nikita Monich
Peki, her yeni sergi ziyaretinizde bu tekniği tekrarlarsanız, zamanla algısal deneyim biriktirirsiniz. Ve sanatı daha iyi yorumlayabileceksiniz.
Diğer ilginç dersler🧐
- Astrofizikçi Vladimir Surdin, Jüpiter'in içinden uçmak mümkün mü ve ne zaman yeni bir gezegen bulacaklar diyor
- Dahiler ne kadar uyur ve uzun uyku gerçekten zararlı mıdır: Somnolog Roman Buzunov'u açıklıyor
- “Orta Çağ, kültür ve bilimde herhangi bir gerileme getirmedi.” Neden - diyor tarihçi Oleg Voskoboynikov