Film yapımcıları, izleyicilerin filmlerini sevmelerine nasıl yardımcı oluyor?
Sinema / / December 30, 2020
Çoğu zaman, sinemayı tartışırken, insanlar olay örgüsü ve oyunculuk hakkında konuşur. Elbette bunlar herhangi bir filmin önemli bileşenleridir. Ama öyle oluyor ki, aksiyon çok yavaş gelişmesine ve birçok olaya rağmen başka bir hikaye hızla sıkıcı hale gelmesine rağmen gözlerinizi bir resimden ayıramazsınız. Bazı yazarlar, izleyiciyi en fantastik dönüşlere inandırmayı başarırken, diğerleri oyuncak gibi gerçek durumları bile ortaya koyuyor. Ve bazı kasetleri izlemek güzel, diğerleri zor.
Mesele şu ki, olay örgüsüne ve oyunculara ek olarak, hangi yönetmenlerin izleyicinin aksiyonu hissetmesine ve ekranda olanlardan zevk almasına yardımcı olduğu birçok ilginç teknik numara var. Bu incelikler fark edilmeyebilir, ancak yine de resmin algılanmasını büyük ölçüde etkiler.
Renk tayfı
Dikkat edilmesi gereken ilk şey, filmlerdeki renklerin çoğu zaman gerçek hayattakilerle aynı olmadığıdır. Oldukça açık olabilir (örneğin, resim siyah beyazsa) veya hemen fark etmiyorsunuz. Ama bu tesadüf değil.
Bir atmosfer yaratmak
Renklerin yardımıyla, olup bitenlerin atmosferini daha iyi aktarabilir, izleyici için bir ruh hali yaratabilir ve hatta karakterlerin kendi duygularını gösterebilirsiniz.
Örneğin, popüler franchise'ı ele alalım "X Men». Ana film dizilerindeki parlak ve zengin resim, çizgi romanları andırıyor. Ve kahramanın yaşlılığı ve yorgunluğundan söz ettikleri kara film "Logan" da onların aksine, daha soluk renkler seçilmiştir.
"Mad Max: Fury Road" filminde aksiyonun çoğu sıcak bir çöl bölgesinde geçiyor. Resmin, kavurucu güneşi ve kuruluğu hissettiren sarı-turuncu tonlarında çekilmesi mantıklı.
Netlik sağlamak için bir çerçeve alabilir ve renk şemasını değiştirebilirsiniz. Hemen daha soğuk olduğu anlaşılacak.
Zıt bir resim oluşturmak için, modern gişe rekorları kıran filmler ve genel olarak kitle sineması daha mavi ve turuncu hale getirildi.
Ve işte ünlü Wes Anderson yumuşak pembemsi bir paleti sever. İzleyiciye eski bir romantik film hissi veriyor. Ve olan her şey daha sakin ve daha kolay algılanıyor.
Geleceğin ve fantezinin atmosferini yaratmak istediklerinde, genellikle maviye dönüşürler. Ve özellikle izleyicinin kafasında siberpunk ve teknoloji ile sıkı bir şekilde bağlantılı olan neon renkleri seviyorlar.
Söylemeye gerek yok yazarların korku filmleri koyu renkleri tercih edin. Bunun birkaç nedeni var. Tabii ki, bu kısmen atmosferi pompalamanın bir yolu. Pek çok insan zaten karanlıktan korkuyor ve korku filmlerinde de içinde saklanan canavarlar var.
Ek olarak, karanlık bir resim, grafiklerin veya makyajın kusurlarını biraz gizlemenize ve üretimden tasarruf etmenize olanak tanır. Doğru, bunda bir tehlike var: Çerçeveyi çok fazla karartırsanız, izleyici ekranda, özellikle kötü bir sinema salonunda veya eski bir TV'de neler olduğunu göremeyebilir. Örneğin 2018 yapımı Slenderman filmindeki durum buydu.
Bazı orijinal yönetmenler aksine oynayabilir. Örneğin, Ari Astaire "GündönümüBir korku filminin tipik atmosferini gösterdiler: kahramanlar kendilerini korkunç şeylerin olduğu izole bir köyde bulurlar.
Ama aynı zamanda resim çok parlak, neredeyse hiç karanlık sahne yok ve kahramanların kıyafetleri kar beyazı. Ve bu onu daha da korkunç kılıyor çünkü korkudan saklanacak hiçbir yer yok.
Şimdi okuyorum🔥
- 2020 Yılının En İyi 25 Dizisi
Grafik Parçalarını Ayırma
Bir filmin birkaç farklı renk filtresi olabilir. Hikayeleri daha net ayırmak için kullanılırlar. Ve doğru yetenekle, bu yaklaşım resmi aydınlatmaya yardımcı olur.
Harika bir örnek "Matris». Bu kasetin logosu, insanların yaşadığı programı ifade eden yeşil kod sembolleriyle yapılmıştır. Bu yüzden sanal dünyada olan her şey yeşilimsi bir filtreyle filme alındı. Ve gerçek olaylar mavi ile gösterilir.
Ve ancak üçüncü bölümün en sonunda, insanlar ve makineler bir barış anlaşması imzaladıklarında, çerçevede aynı anda saf mavi ve yeşil renkler beliriyor.
Filmde Christopher Nolan "Başlangıç" karakterleri gerçek dünyadan bir rüyaya, sonra bir rüyadaki rüyaya, vb. "Katmanları" daha net bir şekilde ayırmak için yönetmen, her biri için kendi renk şemasını seçti.
İlk uyku seviyesinde her şey mavi bir palette çekilir, ikincisi sarı, üçüncüsü beyazdır. Ve sadece son rüyada tüm gölgeler gerçek dünyada olduğu gibi yeniden bir araya gelir.
Blade Runner 2049'da Denis Villeneuve farklı renkler, kahramanın hem yerini hem de iç durumunu yansıtıyordu.
Her şey Ryan Gosling'in karakterinin sisin içinde dolaşmasıyla başlıyor, ardından sıcak turuncu bir çöl, neon fütürizmi ve bir gece selinden geçiyor. Ve hikaye, sakinliği ve arınmayı yansıtan bembeyaz bir arka planda sona eriyor.
Rengin reddi
Bir zamanlar tüm filmler siyah ve beyaz. Basitçe, başka türlü nasıl çekim yapacaklarını bilmedikleri ve kareleri yalnızca elle boyamanın mümkün olduğu için. Sonra renkli filmler geldi ve sinematografi çok daha gerçekçi hale geldi.
Ancak aynı zamanda siyah beyaz fotoğrafçılık tamamen geçmişte kaldı. Hala sanatsal amaçlarla kullanılıyorlar. Örneğin, farklı dünyaları veya hikayeleri betimlemek için.
Böylece, Oz Büyücüsü, 1939'da Dolly peri dünyasına girdiğinde renk belirir.
Andrey Tarkovsky'nin "Stalker" adlı eserinde, kahramanların sıradan yaşamlarında renkler de yok. Ve karakterler kendilerini mistik "Bölge" de bulduklarında, dünya parlar - burada insanlar kendilerini gerçekten ortaya çıkarırlar.
Veya "Hatırla" kasetindeki aynı Christopher Nolan, eylemin bir bölümünü doğrudan sırayla, ikincisi ise tam tersini gösterdi. Dolayısıyla filmin yarısı renkli, diğer yarısı siyah beyaz çekiliyor.
Ek olarak, siyah beyaz bir resim, yalnızca renk ekleyerek belirli ayrıntıları daha canlı bir şekilde vurgulamanıza olanak tanır. Sergei Eisenstein bunu ilk kez 1925 Potemkin Battleship gemisinde bayrağı elle boyadığında yaptı.
Daha sonra, bu teknik tamamen farklı türlerde kullanıldı. "Schindler'in Listesi" nde Steven Spielberg Kırmızı paltolu bir kızın görünümü en duygusal anlardan biri olur.
Ve çizgi roman Sin City'de bile, bu yaklaşım kırmızı ruj, parlak gözler veya kana vurgu yaparak tekrar tekrar kullanılıyor.
Çerçeve yapımı
Üçte bir kuralı
Hem sinemanın hem de sinemanın temel ilkelerinden biri fotoğrafçılık. Bu, "altın oran" ın basitleştirilmiş bir kuralı gibi bir şey.
Çok basit: Çekim yaparken ekran dikey ve yatay olarak üç parçaya bölünür. Arsa için en önemli unsurlar, bu hatların yanı sıra kesişme noktalarına da yerleştirilmelidir. Bu, izleyicinin istenen noktalara odaklanmasını kolaylaştıracaktır.
Bir kareye yerleştirin
Çerçeveyi şartlı olarak ikiye veya dört eşit parçaya bölerseniz, izleyicinin karakterin hikayede hangi yeri kapladığını kelimeler olmadan anlamasını sağlayabilirsiniz.
Bu teknik en çok "Drive" bandında görülmektedir Nicholas Sarma Refna. Örneğin, sol üst köşede ana karakterin yüzü gösteriliyorsa ve bir sonraki karede aynı yerde başka bir karakter beliriyorsa, bu karakterlerin rakip olacağına dair bir ipucudur.
Ek olarak, aynı Refn iki hikayeyi paralel olarak anlatabilir: ekranın üst ve alt kısımlarında veya sol ve sağ yarılarda. İzleyici bu hareketi fark etmeyebilir, ancak yine de karakterlerin algısı daha eksiksiz olacaktır. Artı, çok güzel.
Simetri
Aynı zamanda başka bir psikolojik ve estetik teknik. Genellikle, sol yarının sağ yarıyı yansıttığı çekimler sadece güzellik için yapılır.
Ancak bazen karakterlerin muhalefetini aktarırlar. Ve kahraman aynaya bakarsa, karanlık tarafını veya rüyalar ile gerçeklik arasındaki farkı gösterecektir. Tek kelimeyle, düşünceler için aklınıza gelebilecek herhangi bir alegori.
Hollandalı köşe
Ana kararsızlığı göstermek için kahramanBir şey veya hafıza problemleri hakkındaki şüpheleri çok görsel bir teknik kullanır. "Hollanda açısı", kameranın düz değil eğimli çekim yaptığı anlamına gelir. Bu yaklaşımın pek çok örneği Danny Boyle'un filmlerinde bulunabilir.
İzleyicinin resme bir açıdan bakması alışılmadık bir durumdur, bu nedenle karakterin rahatsızlık durumunu daha iyi algılar.
Ancak burada ölçüye dikkat etmek önemlidir. Örneğin, felaketle sonuçlanan "Battlefield: Earth" filmi tamamen belli bir açıyla çekildi. Ancak bir buçuk saat içinde, izleyicinin büyük olasılıkla sadece boynu ağrıyor.
Aşağıdan ve yukarıdan çekim
Kahramanların öz duygularını aktarmanıza izin veren basit ama etkili tekniklerden bir diğeri. Böylece, örneğin, durumun efendisinin kim olduğunu gösterebilirsiniz. Ve sonra kasetler hemen akla geliyor Quentin Tarantinokarakterlerin bagaja baktığı yer.
Ve yukarıdan ateş etmek, kahramanın kendini güvensiz hissettiğini hissettiriyor. Kamil Larin'in bir çocuk gibi karakterinin pahalı bir restoranda kapıcıya bahaneler sunduğu "Erkekler Ne Konuşur" filminin ünlü sahnesinde bunu ne kadar komik oynadılar:
Diyalog ve hareket
Arka plan eylemi
En çok komedi veya korku filmlerinde kullanılan bir teknik. Ön planda ilginç hiçbir şey olmuyor. Ve en önemli şey, karartılabilen veya bulanıklaştırılabilen arka plana karşı ortaya çıkar.
Örneğin, filmin ana karakteri "Sean adlı zombi"dükkana gidiyor. Onun için her şey çok sıradan. Ve arka planda gerçek bir kıyamet var:
Türe ve sunuma bağlı olarak, bu çok komik bir etki veya gerilim yaratabilir - korku filmlerinde, ana çığlıklar genellikle gizlenir.
Hareket halindeki görüşmeler
Filmlerde en yaygın diyalog türü, karakterlerin oturup sohbet etmeleridir. Bu durumda, kamera geleneksel olarak yüzler arasında geçiş yapar.
Ama sahne çok uzun sürerse, o zaman izleyici aynı açıların sürekli tekrarından bıkmak. Bu nedenle, iyi yönetmenler bu tür sahneleri ya tamamlar ya da değiştirirler.
Yani Quentin Tarantino'nun filmlerinde karakterler neredeyse sürekli konuşuyor. Ancak usta sıkılmanıza izin vermez, çünkü sürüş sırasında diyaloglar gerçekleşebilir. Arka planın sürekli değişmesi nedeniyle, eylem monoton görünmüyor.
Karakterler aynı odada olsalar bile, kamera sadece geçiş yapmaz. Etraflarında hareket ederek mevcudiyetin etkisini ve hatta sohbete katılımı yaratabilir. Neredeyse tüm karakterler gereksiz düzenleme yapılmadan görülebilir.
Nicholas Winding Refn, daha önce bahsedilen oyunu basit bir sohbette renk ve yansıma ile kullanmayı başarıyor. Drive'da, kahramanların ilk diyalogları çok basit görünüyor.
Ama aynı zamanda karakter Ryan Gosling her zaman mavi bir arka plan üzerindedir (bu renk şeması film boyunca ona eşlik eder). Ve kahraman Carey Mulligan turuncu duvarlarda duruyor. Bu da yakın olmalarına rağmen bir şeyin onları ayırdığını gösteriyor.
180 derece kuralı
Çekimler sırasında önemli bir nokta daha var. Açıyı değiştirirken kamerayı 180 dereceden fazla hareket ettirirseniz, izleyicinin kafası karışacaktır. Örneğin, kahraman koşarken, dönmüş ve ters yönde hareket etmiş gibi görünecektir.
Ve bu, diyaloglar sırasında bile aynı derecede önemlidir. Operatör ve yönetmen, çerçevedeki herkesin aniden hareket ettiği izlenimini yaratmamak için kameranın ötesine geçmemesi gereken belirli bir çizgi seçer.
Bu kuralın kasıtlı olarak ihlal edilmesinin sadece izleyicinin kafasını karıştırmak, kahramanın kafa karışıklığını göstermek için kullanılabileceği ilginçtir. Ve gerekli hayal gücüyle, yazarlar daha sıra dışı sahneler yaratırlar. Örneğin, bir konuşma gollüm Kendimle. Karakter basitçe farklı yönlerden gösteriliyor, ancak bu iki konuşmacının olduğu ve birbirleriyle diyalog halinde oldukları etkisini yaratıyor.
Kurulum özellikleri
Düzenleme, hayatın sıkıcı anlarını "atlayarak" filmin aksiyonunu daha dinamik hale getirmenize ve neler olup bittiğine farklı bakış açılarından bakmanıza olanak tanır. En basit şekli anlatıdır. Yani çerçevedeki olaylar birbiri ardına gerçekleşir. Bu en açık biçimde Boulevard des Capuchins'den Adam'da açıklanmıştır.
Ama filmin olaylarını farklı bir şekilde gösterebilirsiniz ve bunun için çeşitli teknikler kullanırlar.
Paralel kurulum
Sıralı hikaye anlatımının aksine, bazen yazarlar izleyicinin aynı anda farklı yerlerde olup biteni görmesini isterler. Ve sonra yönetmenler paralel kablolamaya bakın.
Bu olay örgüsünü daha olaylı hale getirir. Ancak dikkatli olunması gerekiyor. Sonuçta, eşzamanlı olarak gerçekleşen sahneleri sırayla gösterirseniz, her birinin daha uzun sürdüğü izlenimini edinebilirsiniz.
Başarısız paralel düzenlemenin çarpıcı bir örneği "Öfkeli-6" dır. Kahramanlar pist boyunca seyahat eden bir uçakta kaçmaya çalışıyor, arabalar onları kovalıyor ve geminin içinde bir kavga var.
Yazarlar o kadar çok olayı aynı anda gösteriyor ki, ekranda uçak en az 15 dakika hızlanıyor gibi görünüyor. Söylemeye gerek yok, bu durumun tüm gerçekçiliğini yok ediyor mu?
Öte yandan Christopher Nolan, paralel düzenleme ustası olarak kabul edilmektedir. Yönetmen bunu birçok eserinde kullanıyor, ancak bunun en iyi örneği Inception. Farklı uyku seviyelerindeki olaylar aynı anda ve farklı hızlarda gerçekleşir (daha derin uykuda zaman daha yavaş ilerler).
Burada, daha önce bahsedilen renk ayrımı eyleme eklenir ve izleyicinin kafası karışmaz, ancak olayların tüm küreselliğini fark eder.
Bu arada "Dunkirk" filminde Nolan'ın bu teknikle daha da esprili olması ilginç. Karada, suda ve havada meydana gelen olayları paralel olarak gösterir. Aslında kronoloji tamamen farklı ve her şey sadece finalde birleşiyor.
Flashback'ler ve Flash Forward
Bazen yazarlar geçmişten hatıralarını - geri dönüşleri - karakterlerin doğrusal hikayesine yerleştirirler. Bunlar, birkaç saniyelik çok kısa yanıp sönmeler veya tüm hikayeler olabilir.
Böyle anların büyük bir sevgilisi - Jean-Marc Vallee. Böylece, görünüşte sakin olan sahnelere gerilim katıyor. Ya da karakterin birini aldattığını açıkça ortaya koyuyor: Bir şey söylüyor ama anılarında tamamen farklı bir şey beliriyor.
Flashforwards'ın aynı hikayeler olduğunu tahmin etmek zor değil, gelecekten. Daha az sıklıkla, genellikle bilim kurgu veya mistik hikayelerde kullanılırlar. Böyle bir teknikte, belirli bir tutulma sırasında her bir kişinin kendisinden bir an gördüğü bir dizi bile inşa ettiler. gelecek.
Ve arsa boyunca herkes, olanların nedenlerini bulmaya ve vizyonlarının anlamını anlamaya çalışıyor. Dizinin adı şu şekildedir: Flashforward (Rusça çevirisinde - "Ne olacağını hatırla"). Doğru, sadece bir sezon sürdü.
Jump-cut
Bu teknik zaten doğrusal düzenleme için geçerlidir. Çekimler arasında keskin bir geçiş anlamına gelir. Tamamen farklı amaçlar için kullanıyorlar.
Frank Oz'un Küçük Korku Mağazası'nda bu düzenleme, zamanın uzun ve sıkıcı geçişini göstermeye yardımcı oluyor.
Ancak eserlerinde sık sık sıçrama çizgisini kullanan Lars von Trier, karakterlerin duygusal stresini ve psikolojik istikrarsızlığını bu şekilde aktarıyor. Böyle çekim yapmak, resmi daha "gergin" yapar. "Aptallar" kasetinde bu çok uygun:
Şekil ve seste düzenleme
Filmde gösterilen farklı olayların birbirinin devamı olarak algılanması için yazarlar sıklıkla görsel tesadüfler kullanırlar. Yani, bir karedeki bazı nesnelerin ana hatları bir sonraki karede tekrarlanır. Ve bazen çok esprili görünebilir.
Aynı şekilde izleyiciyi sesle "bağlayabilirsiniz". Çığlık, vapurun düdüğü ile devam ediyor ve endüstriyel gürültü yerini alıyor. müzik aynı hızda. Veya hasarlı bir borunun tıslaması, kavurma etinin çıtırtıya dönüşür.
Ek olarak, ses ekranda gösterilenin biraz önünde veya arkasında olabilir. Bu, sahneleri daha bağlantılı hale getirmek için yapılır. Yani, izleyici hala önceki kareden konuşma ve hışırtı duyuyor, ancak eylem çoktan değişti. Ya da tam tersi.
Kurulum eksikliği
Bu cesur bir hareket: yönetmenler uzun sahneleri hiç düzenleme yapmadan çekiyorlar veya çeşitli şekillerde saklıyorlar.
Bu, ekranda olup biteni daha gerçekçi kılar ve izleyiciye hikayenin kendisinin hızı hakkında bir fikir verir. Ancak elbette bu yaklaşım çok daha fazla prova ve yatırım gerektiriyor. Gerçekten de, işleme sırasında başarısız küçük şeyleri kesebilirsiniz.
Böylece, "Kefaret" filmindeki Joe Wright, askerlerin Dunkirk'ten tahliyesi sırasında beş dakikalık bir sahne gösterdi. İkinci dünya savaşı. Kalabalıkta, çerçevede ekipman hareket eden 1.300 kişi yer aldı ve arka planda patlamalar meydana geldi. Olanların tüm kasvetini ve kaosunu aktaran bu yaklaşımdır.
Modern teknolojiler, kurulumu daha doğru bir şekilde gerçekleştirmeyi mümkün kılar. Ve Alejandro Gonzalez Iñárrit'in Birdman'ı vurmasına yardımcı oldu. İçinde, tüm eylemin tek bir kesintisiz çerçevede gösterildiğini hemen fark etmezsiniz bile.
Aslında montaj orada ama gizli. Yapıştırıcılar, kamera bazı karanlık elementlerden geçtiğinde yapılır.
Ve Alexander Sokurov'un "Rus Gemisi" daha da güçlü görünüyor. Eylem Hermitage'de gerçekleşir ve yönetmene filme çekmesi için bir gün verilir. Bu nedenle resmi yapıştırmadan çekmeye karar verdi.
800 figüranla yedi aylık provalar sürdü. Sonuç olarak, üçüncü çekimden 1 saat 27 dakika süren bir filmin tamamını çektiler.
Aslında, çok daha fazla incelik var. Ancak birçoğu zaten derin bir yönetmenlik ve sinematografi bilgisi gerektiriyor. Bunlar pek çok filmde görülebilen basit örneklerdir. Ve bir sonraki resme baktığınızda, kesinlikle "Hollanda köşesi" ya da düzenlemesiz uzun bir çerçeve tarafından vurulacaksınız. Ama bu sihri bozmayacak sinematografitam tersine izlemeyi daha da ilginç hale getirecek.
Ayrıca oku🎬
- Nefes kesen aksiyon kameralarını çekmek için 6 ipucu
- İzleyicileri yanıltan 12 ünlü film pulu
- Xavier Dolan nasıl çekiyor - en umut verici genç yönetmenlerden biri
- David Lynch'in dünyaları: Bir yönetmen benzersiz bir manyetik atmosfere sahip filmleri nasıl yaratır?
- Paolo Sorrentino: "Great Beauty" ve "Young Pope" kitaplarının yazarı nasıl fotoğraf çekiyor?